Un modelo apra armar... sin llegar a armarse por completo

Julio Cortazar es de esos escritores que nunca dejan de sorprender en cada escrito, a pesar de poseer un estilo único. El psicologismo obsesivo de algunos de sus textos es inconfundible, junto a un uso inesperado y al mismo tiempo demencialmente preciso, dejan en el lector una sensacion de estar leyendo algo mas, de tener ante si una especie de texto arcano que devela viejos misterios de la vida. Así, bajo este paraguas de ideas, se encuentra 62/modelo para armar. Esta novela, hija de una idea proveniente de otra (de Rayuela), lleva esa irreverencia de Cortazar a niveles inimaginables. No es una novela convencional, no es en si una novela en el sentido que se nos enseña en la escuela, con un principio, un nudo dramático y una resolucion. es mas bien un ir y venir temporal y espacial a través de la complicada vida de sus protagonistas.

La vida de un grupo de bohemios, intelectuales que juegan son su propia cordura a través de instancias infantiles, pero profundamente razonadas. A través de las paginas de este libro se van transformando las relaciones entre los personajes, van mutando, dejando ver las desnudas ilusiones de cada uno, los amores escondidos y los que no se esconden. Es gracioso, pero en este libro Julio Cortazar deja que los impulsos amorosos se den a flor de piel, dejando la fantástica ironía de que entre los personajes, al final del libro (que no es en si el final de una historia), no se corresponda el amor. el amor, en este libro, y quizás en toda la ficción de Cortazar, es un hilo conductor que nunca es realmente justo, como la vida misma. Obsesión e infección. "¿Cuantas combinaciones habrá en esa roñosa baraja que le tipo con cara de pescado esta mezclando en el fondo?"

Todo en este libro es una magnifica composición, una danza de palabras. En cierta forma, el libro nos va arrojando a la cara una enorme cantidad de frases que resuenan por su universal validez, por su verdad empírica, y que nos dejan en la mente no solo la sensación de constante despertar, sino además el repique de experiencias propias. Comprender es un acto que necesita de cierta facilidad infantil en este libro. Quizás esa sea otra gran parte de este libro, el infantil deseo por lo que muchos llaman vanalidades, por juegos que no importan mucho en el devenir común de esas personas que se ocupan mas de no morir que en vivir. La inutilidad de la vida no esta en la poca importancia de nuestras acciones, sino en nuestra propia incapacidad para ver que lo que nos es mas útil es lo mas sencillo.

No hay mucho mas que decir sobre un libro como este. no hay mucho que decir sobre un escritor como este. En realidad, podría escribir miles de cosas, pero ninguna tendría mucho sentido. Este tipo de lecturas, este tipo de escritores no deben tomarse a partir de lo que alguien mas diga, sino tomarlos a partir de uno mismo, y crear a partir de eso un propio mundo de significaciones. Julio Cortazar es uno de esos autores que crean en cada individuo un universo de símbolos personales, un mar de nombres para usar en nuestra cabeza, y quizás en algún afortunado momento de felicidad, compartirlo.

Manual del Salmon para principiantes indefensos

Según Marcel Mauss, la gente que son llamados "cuerdos" son siempre alienados, gente que no se atreve o no puede salir de los esquemas establecidos de comportamiento en lo mas mínimo. EL problema, esta en que normalmente esto no solo no presenta ningún reto a la inteligencia (incluso la insulta), sino que además posee la clara cualidad disfrazar la falta de libertad con aceptacion. Para evitar esto, como buen salmón, hay que ir contra la corriente. Claro, el concepto de ir contra la corriente no es solo una rebeldía sin sentido. Ir contra la corriente es algo mucho mas sutil que solo hacer lo contrario. Cuando solo llevamos la contraria por llevarla, los resultados no es un complejo de salmón, sino una rebeldía infantil. El ser un salmón, o poseer el complejo de salmón es una especie de burla sutil, un cambio en el cambio para poder interesarnos en la ironía. O como se prefiera.

Cuando se intenta ir contra la corriente, el problema principal es que por salirse del grupo, se termina cayendo en otro grupo, que por ser mas pequeños, se siente en derecho de decir que el mundo esta en contra de ellos. Hay que evitar esto. Aunque el salmón viaja en contra de la corriente en grupos grandes (véase la pagina del discovery channel, podría aprender algo aunque sea por error), el símbolo acá es el hecho de que viajan contra la corriente. El salmón, como símbolo de quien va a donde desea, sin importarle la corriente, es lo que aquí nos nombra.

Ahora, hay que plantear ciertos lineamientos para poder complacerse a si mismo como una persona con el complejo de salmón. Y a fin de ilustrarlo del modo mas didacticamente aceptable, se estructurara la exposición en varios pasos.

1. Primer paso: NO actué sin pensar, sus instintos están condicionados por las lógicas sociales que le rodean, así que puede ser que por hacer lo primero que pensó, termine haciendo lo mas predecible o socialmente aceptable. Ahora, hay que dejar que la situación se revele primero, dejar que nos muestre lo suficiente como para adivinar que es lo que sucederá a continuación. Esto debe hacerse rápido, y para tal efecto se necesitan dos cosas, practica e inteligencia. Si ud carece de la segunda, por favor deje de leer esto inmediatamente y vaya a ver un reality show.
   
2. Segundo Paso: Para ir contra la corriente hay que ser original. Es decir, atrevase a pensar por ud mismo. Irónicamente, para hacer esto hay que saber que han pensado otras personas originales. Repito, irónicamente, y como dijo Octavio Paz, uno solo es completamente original cuando empieza a imitar libremente a los demás. ¿Captaron el doble ejemplo?
3. Paso tres: No tema el que dirán. Toda persona que vaya contra la corriente, es considerada en algún punto loca, porque no se someten a las expectativas sociales. Una cosa importante a este respecto es ser capaz de reírse de uno mismo.
4. Paso cuatro: Dejese llevar. (este esta corto)
5. Paso cinco: coma frutas y verduras.
   
6. Paso seis: No es necesario que haga todo lo contrario, el ser salmón es un acto sutil de ironía y buen humor, no una manifestación de descontento con el mundo.
   
7. Paso siete: Deje de hacer lo que yo le digo y piense por si mismo cual seria la mejor manera de seguir con esto.
   

Completados los pasos iniciales, lo demás es silencio. Quizás haya que resaltar la importancia del humor y la sutileza. No es necesario que sea siempre explícitamente el salmón, algunas ocasiones no es necesario mostrarse como tal, o es mejor esperar. Esto queda a su discreción.

Si despues de esto, ud no logra ser un salmón, sino un rebelde sin sentido, entonces ha perdido el tiempo leyendo esto (como si alguien lo leyera, que soberbia la mía)

El angel exterminador

"Si el filme que van a ver les parece enigmático e incoherente, también la vida lo es. Es repetitivo como la vida y, como la vida, sujeto a múltiples interpretaciones. El autor declara no haber querido jugar con los símbolos, al menos conscientemente. Quizá la explicación de El ángel exterminador sea que, racionalmente, no hay ninguna." Con esta frase Luis Buñuel presenta su película El ángel exterminador. Como se dice, la película puede parecer incoherente, pero mantiene siempre un cierto encanto, un cierto misticismo inexplicable, como en todo el cine de Luis Buñuel. Surrealista, inexplicable, película realmente única.

La historia versa sobre un grupo de personas de clase alta, burguesía aristocrática (un tema que parece perseguir Buñuel) que se ven encerrados inexplicablemente en un salón de la casa de una de las parejas del grupo. Esta premisa no se presenta como una fantasía, o como un embrujo, sino simplemente como una condición para desarrollar la película, sin los miramientos sobrenaturales, sino como una simple expoliación de la situación. A partir del encierro se dan una serie de situaciones en las que cada uno de los individuos (cada uno un verdadero exponente ejemplar de las llamadas reglas cordiales de etiqueta que tanto se presumen en tales esferas sociales) va degradandose hasta llegar, unos antes que otros, al comportamiento salvaje casi animal. Los únicos que no llegan a ese estado brutal de bestialidad (aun condicionado por las reglas sociales de comportamiento en cierta medida) son aquellos que mueren. La excases de comida y agua, la ausencia de soledad (paradójico, pero una persona privada de su intimidad, de su soledad, no puede mantener la cordura por mucho tiempo) van dejando ver que en el fondo todos somos animales, y que las reglas sociales de comportamiento llegan incluso a suprimir nuestros deseos y nuestros sentimientos hacia las otras personas. Una vez que estos individuos se ven separados de su entorno normal, una vez las reglas sociales dejan no son mas pertinentes (porque se ven encerrados en una nueva microsociedad que solo les atañe a ellos) se ven perdidos, y optan por el comportamiento egoísta del instinto de conservacion.

El film esta lleno de elementos que a veces dan la impresión de un simbolismo especifico. Existe a lo largo de la película ciertas repeticiones (a primera vista podrían parecer errores de montaje), o ciertos elementos de orden religioso (el sacrificio de los corderos, el mismo ángel exterminador), e incluso algunos elementos marxistas (la posición entre sirvientes que escapan de la casa sin razón aparente y la burguesía atrapada y aislada). Sin embargo, Buñuel trabaja de una forma instintiva. Luis Buñuel no trabaja concienzudamente sobre la base de símbolos.

La película es definitivamente una opción itneresantisima de cine mexicano (producción mexicana que nada tiene que ver con el cine mexicano común para esa época). Al mejor estilo narrativo de Kafka, esta obra se extiende sobre si misma como una muy interesante pieza de un surrealismo de Buñuel. El ángel exterminador es el símbolo de la sociedad en decadencia, el guardián de los desechos que terminan por enloquecer al ser humano.

La Insoportable Levedad del Ser

con Ante un titulo de tal magnitud, una novela puede derrumbarse sobre las expectativas que este crea. Sin embargo, esto no sucede con La Insoportable Levedad del Ser. Una novela dinámica, llena de alusiones a un universo simbólico que se va creando dentro de la misma historia. Es una historia filosófica, pero en la medida en que los conceptos se van adentrando en los acontecimientos para darle vida a una serie de revelaciones sobre la condición humana. Porque eso es el libro, un viaje sobre la condición humana, sobre los entreveres de la mente incansable de un ser que nunca deja de ser (si se me permite esta alusión fuera de contexto a Alaide Foppa)

Vivimos solamente una vez, vivimos en el borrador de la vida, que es la vida misma. Todo lo que pasa una vez, puede no haber pasado nunca. Por lo tanto, la vida de una persona no es determinante al universo, porque su peso es muy leve como para poder cambiar considerablemente la dirección del tiempo. Esa es la levedad es insoportable, la que nos vuelve completamente indiferentes a la existencia total. Pero esa levedad también esconde una inmensa libertad, que es lo que nos permite dejar huella en aquellos mas cercanos (cuya igual levedad permite que nuestro peso sea suficiente para afectarlos).

Cuatro personajes (pero en especial dos) se entrelazan en este libro, a través de una narrativa con su tiempo propio a cada personaje. Tomas, incapaz de encontrar la relación entre sexo, fidelidad y amor, envuelto en una relación que no sabe si desea, y que sobrepasa los limites de su comprensión, que se escapa de sus constantes cavilaciones al respecto y que no puede incluso controlar. Teresa, enamorada de Tomas, una mujer que cela y ama en intensidad descomunal, desarticulando el universo de Tomas sin quererlo al amarlo. Ambos ven como su relación cambia y muta a través del tiempo, llevándolos a vivir diferentes situaciones que parecen no tener nada que ver con el hecho de que se ames, y mas con la situación sociopolitica de la época. A ellos dos se adhiere Sabina, amante casi rutinaria de Tomas. Una mujer libre, artista, un alma con el peso del viento, que se deja llevar por la vida sin mas atadura que los pocos símbolos personales que la definen. Finalmente esta Franz, Hombre casado que mantiene por un tiempo una relación amorosa con Sabina, de quien considera estar enamorado, sin darse cuenta que no esta enamorado de ella sino de la imagen idealizada de ella, del arquetipo de sabina que se ha construido. Franz es un hombre idealista, hombre de ciencia, que con su ingenuo modo de ver el mundo llega mas cerca que cualquiera de los otros a encontrar un nicho al que puede llamar felicidad.

La novela es magnifica, con un estilo narrativo pausado, pero en lo absoluto aburrido. Milan Kundera realiza en esta obra (el mas representativo de sus trabajos) un recorrido por la naturaleza humana, y su capacidad para cambiar de lo liviano a lo pesado. Definitivamente uno de los mejores libros que he leído.

Casablanca... que mas puedo decir

Pocas películas son tan iconográficas como esta. Casablanca, una historia que no se deja clasificar como una historia mas. No es una película que sobresalga por la dirección, por el apartado visual, sino por la historia misma, como era costumbre en la época que fue filmada. En si, la estructura narrativa es sencilla, lineal, mostrando cada uno de los personajes con el suficiente detenimiento como para recordarlos, peor sin entretenerse mas que en los principales. Rick, encarnado por Humprey Bogart, es el arquetipo del hombre imperturbable, pero solo hasta que la casualidad le trae de vuelta al gran amor de su vida, Ilsa. Ella, llega a el para alterar por completa la tensa armonía que es su vida en la ciudad marroquí de Casablanca. Bajo esta premisa fundamental, la historia se retuerce entre el amor y el dolor de Rick.

La película ha sido citada a lo largo de la historia en muchas otras películas (en especial en Sueños de un seductor, película que sera reseñada en alguna otra ocación, o la parodia directa de los hermanos Marx, Una noche en Casablanca). Para quien vea esta película pro primera vez reconcomerá en ella muchas frases y escenas utilizadas en otras producciones. Frases como "play it again Sam, for old times sake" (tocala otra vez Sam, por los viejos tiempos) o "we´ll always have Paris " (siempre tendremos Paris) se quedan grabadas en la memoria. LA película permanece en la memoria de quienes saben disfrutar de ciertas historias. Trasciende los limites de la mera identificacion con los personajes (la historia, aunque extraordinaria, es en esencia una sentencia común, el amor que no puede o debe ser). Casablanca es, a fin de cuentas, una gran película que no intento serlo.

Especial mención merece la escena final. En esta se resuelven los conflictos de los dos personajes principales, pero no de una manera simple y romántica, idealista, sino de forma racional y coherente, buscando el bien de todos. Como en todas las grandes historias de amor (no solo en el cine, sino mas allá), el sacrificio y la perdida terminan por exponer que el amor no es una idea platónica, sino una realidad concreta que no siempre es como queremos que sea, viéndonos obligados a tomar decisiones alrededor de ese sentimiento que n siempre son las que mas nos gutaria. Me refiero a la lírica afirmacion de que el amor es un desprendimiento y no un apoderamiento. Toda la escena se ve envuelta en la niebla, lo que da la sensación de aislamiento. Aunque los personajes estén huyendo, aunque la vida misma se termine esa noche, los personajes están solos, resolviéndose a si mismos. El final recuerda que la vida sigue, que los problemas de cada uno de nosotros son en realidad solo uno entre un montón, pero esa singularidad es la que termina por definirnos a cada uno.

Finalmente, la canción "as time goes by" se repite durante toda la película, convirtiéndose en una alegoría a la misma singularidad de la historia, pero al mismo tiempo actuando como un catalizador que une la historia de amor (a la cuales una alusión directa) con el resto de acontecimientos que rodean esa historia.

Creo que para los amantes del cine, esta es una película que no deben dejar de ver. Incluso para aquellas personas que , aunque no sean grandes cinéfilos pero que suspiran ante películas de amor menos intempestivas como Titanic o Shakespeare in love, esta resulta una película romántica mucho mas real y palpable, mucho mas cierta.

"El mundo se esta terminando, y nosotros enamorados, que inoportunos"

El ladron de bicicletas.

En el cine algunas veces nos encontramos con películas que explotan los sentimientos de una forma única. Algunas veces nos encontramos con películas que dejan al espectador con una profunda sensación de haber presenciado algo mas que solo una historia. Este es el caso de El Ladrón de Bicicletas. Un film italiano, en blanco y negro, cine de la posguerra, que narra con una agresividad muy pasiva la historia de un hombre sumido en la pobreza y la necesidad. Con tomas sencillas, nada ostentosas, una cámara que acompaña a los actores, que se mueve a manera de que las escenas sean lo mas naturales posibles, y sin actores profesionales. El Ladrón De Bicicletas explora a partir de el drama la profunda injusticia de la pobreza.

El protagonista de la historia tiene la fortuna de conseguir trabajo pegando carteles por la ciudad, una suerte casi divina, considerando las limitaciones laborales de la época, pero para poder realizarlo necesita una bicicleta, el problema es que su bicicleta esta empeñada por lo que su primera tarea será recuperarla. Una vez montado en su bicicleta comienza a trabajar pero el drama estriba en que no transcurre ni un día de trabajo cuando le han robado la bicicleta y con ella su futuro. Bajo esta premisa, el protagonista emprende la búsqueda de su bicicleta, viajando pro la Italia urbana de la época. Acompañado de su hijo, encuentra tristeza y en algunos momentos confort, frustraciones y desconsuelos. La tragedia de un hombre de familia incapaz de satisfacer las necesidades de aquellos que dependen de el. El Drama se extiende por toda la película, a través de la desventurada búsqueda del ladrón de la bicicleta y la bicicleta misma. Incluso por momentos se llega a crear ante el protagonista insondables muros que le impiden el paso hacia una feliz conclusión.

Mas allá de la historia, lo que resalta en la película son las emociones casi palpables. El ambiente general de la película es el de una ciudad que crece sobre los hombros de la gente mas pobre y necesitada, que vive en la miseria. Ante esto, la esperanzadora promesa de un futuro mejor, retratado en el momento en que el protagonista, de nombre Antonio, tiene ante si su bicicleta, que le permitirá trabajar, vivir, sobrevivir. La desesperación inicial del robo y la búsqueda trazada a través de un ir y venir de frustraciones e intentos por mantener la compostura. La cordura llega a estallar en el momento final de la película, en una desesperación comprensible ante la situación. El ladrón de bicicletas, un film dirigido por Vittorio de Sica, y basado en una novela de Luigi Bartolini, es en si un monumento de emociones que retratan la realidad italiana de la época.

En la cocina de mi abuela

El vapor densa el aire. Mi hermana se acerca a la estufa y observa la olla. Todo en la cocina parece ser como ha sido siempre. La charla, el aroma, el movimiento sincronizado de quienes saben, sin saberlo, exactamente lo que hacen. Tres generaciones de mujeres sincronizando sus movimientos con sus palabras, atrapando el tiempo que parecen no pasar mas allá de las diferentes edades de cada una.

El rito de la cocina dominical en casa de mi abuela. Caldo de gallina, arroz. todas las mujeres que se reúnen en la cocina se saben dueñas del espacio mas intimo que una sociedad tradicionalmente machista le designa a las mujeres: la cocina. Aquí, a pesar de que siguen cumpliendo el rol que se les ha designado socialmente, a pesar de que siguen subyugadas a la separación sexual del trabajo, se sienten mas libres. Ellas han crecido así, han aprendido a sentirse bien en este lugar. Sin entrar a cuestionamientos causales y condicionales sobre las estructuras sociales que crean estas expresiones, puede verse que acá se sienten mas cómodas.

Mientras tanto, yo intento penetrar las exclusivas dimensiones de las mujeres en la cocina. Mujeres tradicionales, de esas que encuentran en el proceso creativo de cocinar su propia expresión artística, su propio universo de creación. Mientras, ellas se mueven, prueban la comida, y cocinan. Yo observo, de lejos, sin ser parte, sin pertenecer a esa coyuntura de roles sobrepuestos que cumplen uno: el arquetipo de mujer en nuestra sociedad.

El calor del vapor trae consigo otros regalos. La cocina se vuelve una maraña de aromas a medida que se avanza en el proceso de cocción. Dicen que el olfato es el sentido que mas facilmente trae recuerdos a nuestra mente. Los mios son recuerdos de constancia, de domingos en el mismo lugar, de silenciosa observacion, de comida generacional. La cocina, en cuanto proceso, posee un potencial artístico que casi nunca se sabe apreciar. Comida cotidiana que suele ser extraordinaria
Mi madre prueba la comida y dice que ya esta listo. Todas se acercan, concuerdan. todo cambia, no termina, muta en otro proceso distinto, la comida. El espacio femenino da paso a uno asexuado, sin géneros que lo definan. Comer el fruto de la paciencia de tres mujeres, cada una con su carga generacional, demuestra que incluso las mas cotidianas formas de socializacion tienen una lógica interna... y una forma especifica de disfrutarlas.

Todo sobre mi madre, un film de Pedro Almodovar.

Hace Mas o menos un año vi por primera vez la película Todo Sobre Mi Madre. Este film, escrito y dirigido por Pedro Almodovar, es un "multidrama", hilvanado a partir de la historia de una mujer que ha perdido a su hijo. La muerte de su hijo la lleva a buscar al padre de el, de quien no ha sabido nada desde hace varios años, y quien desconoce la existencia de el hijo muerto. esta premisa da inicio a una historia que junta historias. La idea acá no es contar una historia como tal, sino dar una sección de tiempo, un momento en la vida de una mujer, historias que tocan la suya propia para ayudarle de cierta manera a sobreponerse, a través de la tragedia ajena, a la propia. Pareciera que la premisa principal en la historia es "Las tragedias unen". Cada personaje trágico que Manuela (la protagonista) conoce, llega a insertarse en su vida de alguna forma, aun cuando ya no están con ella. Cada personaje trágico tiene también su historia, su pequeña porción de tristeza y su carga de culpa. Nadie es inocente, y nadie esta excento de sufrir. Así, la perdida del hijo de Manuela (ligada de una manera obsesiva a la puesta en escena de "Un tranvía llamado deseo") no brota a la superficie, sino solo en los momentos en que las otras historias se difuminan o la tocan directamente. Manuela, como muchas otras mujeres, sufre en silencio mientras intenta ayudar a los demás.La película, visualmente, es en momentos impresionante. Las representación de la pasividad con la que la mayoría de personajes acepta su dolor, su tragedia, se ve realzada por tomas estáticas, silenciosas, en las que el movimiento solo es una mera demostración de que no se trata de una fotografía. La inclinación a los altos contrastes de Almodovar se ve en esta película de una manera menos obsesiva que en "La Mala educación", pero con mucha fuerza. La combinación de colores para realzar los sentimientos que la escena debe producir es bastante acertada.
Cabe señalar que esta es quizás la película mas melodramática (que he visto) de Almodovar. Con final feliz (dentro de lo posible), pero con una gran cantidad de excesos en cuanto a recursos dramáticos de "shock emocional". Se apela mucho a la sensibilidad del espectador para que la película sea realmente disfrutarle. Quien no soporte dos horas de desventuras y tristezas al mejor estilo griego, debe evitar esta película. Sin embargo, como con el mejor cine de Almodovar, el mero apartado visual merece la pena verla, aun así sea solo para poder observar esos momentos en que la combinación de cámara estática, y cámara en lento movimiento, nos hacen ver la panorámica de la sensación vivida por los protagonistas, sin siquiera usar una palabra.

Me gusta tomar té en una taza negra

Quien me conoce, (probablemente menos de los que me gustaría reconocer) sabe que me gusta tomar Te. La bebida tiene cierto efecto tranquilizante en mi. Además, tengo la extraña manía de tomarlo siempre en una taza negra. Hay algo en tomar el té en una taza negra, es como si existiera un misterio del aroma que emana, como si el té fuera algo mas, un espejo de algo que no podemos ver, mas allá de lo inmediato, para dar paso al proceso de suponer. Suponer una profundidad, un color del tibio liquido, un sabor que corresponda en esa manera esencial al aroma. Una taza sin fondo, eterna, que refleja rostros en la oscuridad de los limites que separan el recipiente de su esencial liquido. Hay algo de mágico en tomar el te en una taza negra. El misterio de lo profundo y lo inexacto.

Pero no se trata solo de el Té. Leí un libro de nombre "Elogio a la Sombra", sobre la estética de la sombra, y la magia que conlleva. Mientras lo leía, siempre tenia presente mi gusto por tomar el té en una taza negra. Para mi, sugerir es mucho mas efectivo que mostrar, por lo que la estética de la sombra, que se trata de sugerir lo que esta escondido, me resulta muy interesante. Porque la estética basada en la sombra no solo es "apagar la luz", sino que es mucho mas complicado. Se trata de "no mostrar" y eso no implica necesariamente a la sombra en si, sino solo el hecho de esconder. No mostrar, pero sugerir, hacer sabe que mas alla de lo visible se esconde una posible infinidad de formas, sensaciones, esencias. La sombra, por antonomasia, es la metáfora primordial del misterio. Esconder, que es el principio básico del misterio, se relaciona a la sombra. "Entre sombras" siempre significa escondido, aun cuando no exista una sombra como tal. Por eso, tomar el te en una taza negra, es tomar el te entre sombras, escondiéndolo de la propia percepción.

Tomar el té en una taza negra siempre ha sido para mi un placer adicional. Un placer que va mas allá de saborear la bebida, incluyendo a otros sentidos, como la vista y el olfato. Pero aun mas importante, incluyendo la percepción de lo que no se ve. Incluso en algo tan sencillo como tomar té existe una pequeña porción de hedonismo si se crea alrededor de el acto un pequeño velo de suntuosa ritualidad. En mi caso, a través de una taza negra.

De Que Manera Te Olvido, querida Dorelia Barahona

De que manera te olvido. Esa frase esconde tras de si una inmensidad de significados, implicaciones, recuerdos rotos y sonrisas dialéctica de llantos. De que manera te olvido es una novela intima, con la prosa poética de la sensibilidad comprensiva y pasiva de quien ha visto pasar delante de si la ficción misma de la vida y sus distintos matices.
Tres mujeres que se someten a los caprichos de la vida que se han construido en conjunto con el mundo. Tres mujeres que son narradas por una cuarta, que es las tres al mismo tiempo (trinidad) y también ninguna (ausencia). Tres mujeres que pasan de la adolescencia soñadora y la tacita promesa ilusoria de la vida, a la cruda y cínica adultéz de los ungidos con el aceite de la realidad. Todo a través de una prosa poética, perfectamente utilizada.
El libro es un viaje intimo a los confines fantásticos de las ilusiones femeninas muy particulares, sin estereotipos femeninos. Los tres personajes están libres de las instigaciones socioculturales que normalmente delinean las figuras femeninas en la literatura. Pero a pesar de que los personajes son libres creaciones desligadas (lo mas posible) del sistema patriarcal latinoamericano, la historia las liga a esta realidad mas masculina que femenina, dándole un toque realista muy importante.
Novela escrita por Dorelia Barahona, una magnifica escritora costarricense, y publicada en la colección Mar de Tinta recientemente. Una gran recomendación para quienes desean leer la propuestas literarias centroamericanas.

Manual del Perfecto Burocrata

Es importante que quienes desean ser Burócratas, o ya lo son y desean mejorar, se atengan a ciertos lineamientos específicos. Lo primero que deben saber es que un burócrata siempre es primero. No hay nadie mas importante que el (a menos que sea aquel con la capacidad para hacerlos mas importantes, es decir, aumentarles los ingresos). Ser burócrata es ser un dios en el pequeño universo de sus obligaciones y derechos, y por lo tanto todos los demás que entren a ese universo deben atenerse a las caprichosas leyes naturales de tus designios. Básicamente, eso es todo. Fácil.
Ahora, hay ciertas reglas secundarias que sirven para que el burócrata desempeñe a cabalidad su papel de sumo dolor de muelas protocolario.

1. El tiempo es solo protocolo, y por lo tanto, todos deben desperdiciar su tiempo con tu persona. El perfecto burócrata hace esperar todo lo posible a las personas, a fin de que se den cuenta de la suerte que tienen al poder verlo.
2. Los dioses (y el burócrata es dios de su propio universo de necesidades ajenas) nunca deben colocarse en la posición del que pide. Es necesario situarse especialmente en la posición de poder. Estar sentado mientras los demás están parados, posiciones altas, atrincherado detrás de un escritorio frente a gente desprotegida en sus sillas, estos son ejemplos de posicione de poder, pero como dios del propio universo, la creatividad es bienvenida.
3. Nunca otorgar nada fácil. Quien obtiene algo fácilmente no lo agradece, y como burócrata debemos sentir la gratitud de aquellos afortunados que reciben algo de nosotros.
4. Procurar no mostrar simpatía mas que por los que están mas cerca del techo en el organigrama.
5. Los ingresos extras son siempre bienvenidos.
6. Negar todo, aceptar nada, tener en cuenta que la burocracia es eterna como la sangre y llevar la idea de que el burócrata es el superhombre de Nietzsche.

Siga estas sencillas reglas y en muy poco tiempo lograra ser un perfecto burócrata. Lo mas importante es que no se necesita mas que el empleo para ser uno, y no se necesita siquiera ser inteligente. Con el puesto de trabajo y los deseos megalomanos es suficiente.

Los Versos Satanicos

Hay un libro que causo polémica entre le pueblo musulmán, llegando incluso a poner precio a la cabeza del autor (según se, la ultima oferta era de 2.8 millones de dolares): Los versos satánicos. este es un libro que llama la atención desde el principio. Jugar con un titulo así es llamar a la polémica desde el principio, pero a lo largo de esta novela (larga novela) se va jugando con el titulo mismo, llevando esos "versos satánicos" a los limites de la venganza y los celos, a expresiones culturales puestas en un contexto distinto, a los juegos infantiles, e incluso a la boca de un confuso mahoma.

Los versos satánicos es un libro que habla sobre la religión, pero sin la visión etnocentrista (a veces creo que esa palabra se usa mas de lo que su etimología permite) que nos lleva a muchos a pensar que hablar de religión es hablar de cristianismo, judaísmo o islamismo. La religión como acto de fe, como sistema de creencias, como ejercicio del poder, esa es la religión real, a la que Salman Rushdie clava los dientes en su novela. Se habla principalmente de la naturaleza del bien y el mal. Dos conceptos antagónicos. El bien y el mal , según se dice en el libro, no son dos fuerzas distintas que luchan entre si por la dominación del alma humana, y mucho menos dos entidades suprahumanas que juegan al ajedrez con los pobres mortales. El bien y el Mal se representan como dos facetas del ser humano, como posibilidades que surgen a partir de la vida misma y que se manifiestan como dos extremos indisoluble de un todo (el alma humana quizás). El bien y el mal son entonces dos aspectos de la naturaleza humana, como se entiende en el taoísmo, y por lo tanto ninguna religión puede "sacar el mal de nosotros" porque somos nosotros mismo el mal (y al mismo tiempo somos el bien). En esta obra no hay mas dios ni mas demonio que el autor mismo.

La narrativa transcurre a través de la historia de dos sobrevivientes de un atentado a un avión, que caen del cielo para transformarse, físicamente, en un ángel (el arcángel Gabriel, el favorito de cristianos, judíos y musulmanes) y en un sátiro (la imagen favorita del demonio hedonista de esos mismos grupos). A través de lo que les sucede a estos dos desafortunados personajes vemos como el autor expone que el mal (en apariencia) no es del todo malo y no es eternamente condenable por ello, y que el bien absoluto (y la idea de que el deber del "bueno" es cargar con el rescate de todas las demás almas del universo) es demasiada carga para un alma que nunca deja de ser cegada por la pasión de su opuesto. A estas dos historias paralelas (de la desgracia a la paz para uno, y de la gracia divina a la locura para otro) se van atando otras historias que revolotean como mariposas (cuando lo lean sabrán porque hablo de mariposas) alrededor de la muerte y la fe ciega, y como la fe llega a satisfacer a quienes se ven desprovistos de razones mas fuertes.

El libro en si es una magnifica referencia de la obra del autor. Con una narrativa entrecortada, quizás hecha para crear mas curiosidad en el lector, pero con una utilización del lenguaje (el traductor de la obra merece mi respeto casi absoluto por el difícil trabajo que debe haber representado una traducción al español), Salman Rushdie logra contraponer con magnifica irreverencia la razón la fe, en un libro que habría odiado Soren Kierkegaard.

El Topo, un film de Jodorowsky

Tuve la oportunidad de ver una película muy interesante: El topo. Un film dirigido, escrito y protagonizado por Alexandro Jodorowsky. La película es en si una muestra de uno de los espectros mas extremos del cine, y del arte en general. Lo grotesco y lo estético fusionados en una película que utiliza como recurso narrativo (y estético) la dualidad en constante interacción, casi (con)fundiéndose entre si. El bien y el mal, lo bello y lo grotesco, el este y el oeste, el cristianismo y el budismo, el hombre y la mujer, símbolos sobrepuestos que se van mezclando y confundiendo sobre la iconografía religiosa y del poder. Se juega con los opuestos en una espiral de símbolos. Incluso el final de la pelicula es final y principio al mismo tiempo.

La narración de la película se da a través de dos momentos. El primer describe el proceso de cambio que justifica al segundo. Durante una primera parte el Topo se busca a si mismo, mediante el conflicto (con el y con otros) conociendo a 4 grandes maestros que hacer recordar las películas asiáticas de kung fu. Los cuatro maestros "le hacen ver el camino" que lo lleva a su muerte, porque para renacer ha que morir primero. El topo es aquí un justiciero, un violento liberador de los oprimidos, un mesías. Su renacimiento da lugar a la segunda mitad de la película, en la ya no viaja mas en busca de si mismo, sino de los demás. Se transforma en una especie de monje que busca liberar a un incomprendido y discriminado pueblo de su encierro. Aquí, libre de sus ataduras anteriores entrega todo para ayudar a los desposeídos, llegando a la humillacion y denigracíon propia para ayudar a los demás. Esta segunda parte, mucho mas directa y menos simbólica, transcurre en un pueblo que es una sátira burlesca de la sociedad moderna con todos sus vicios. Finalmente, al ver frustrados e inútiles sus intentos por ayudar, desata sobre le pueblo un apocalipsis que lo lleva al suicidio.

La película, heredera del teatro del pánico y del absurdo, resulta siendo una catarsis. Provoca una reacción fuerte en el espectador. Ya ea que te impacte su fotografía, que te maraville su simbolismo, que te asquee su crudeza, o cualquier otra cosa, la película no pasa desapercibida para ninguno. La película puede gustar o no al espectador (a mi me gusto), pero es imposible que le sea indiferente. Un western a medias, solo en apariencia, que encierra una irreverente critica a la moral, lo sagrado y la hipocresía del poder.

¿Que es un Emo?

Desde hace algún tiempo ha surgido entre las diversas tribus urbanas un nuevo movimiento denominado Emo. Los llamados emo nacen como producto de la moda y de la música, como probablemente todas las demás tribus urbanas en su génesis, y tienen ciertas características bastante únicas. Pero realmente, ¿que es un emo?. Esta duda en mi surge porque he visto un aumento significativo de los individuos que se caracterizan como Emos. Consultando dos fuentes de saber popular en Internet encuentro varias caracterizaciones y descripciones. Un emo (segun wikipedia) es

Una persona que se considere "emo", fuera del ámbito musical, son personas que con su estética intentan parecer personas tristes y amargadas, basan todo su físico en "problemas emocionales"

Es decir, los emos, son personas tristes. O al menos lo aparentan. Los emos, tal y como indica el origen de su palabra: emocional, suelen ser personas sensibles. Como tribu urbana, están ligados también a un estilo musical, que lleva el mismo nombre. Además, se podría decir que presentan especial importancia por los sentimientos y la realización de la persona desde el punto emocional. Ya que las canciones se centran en el amor, odio o desilusión por la vida. Claro, esto puede definir a muchas mas tribus urbanas. Sin embargo en el caso de los emos, la sensibilidad se vive en un umbral entre lo triste, lo fashion y lo andrógino. Tienen un estilo de vestir muy singular, pero no original del todo. Visten de acuerdo a una fusión bastante obvia de otras tribus urbanas. Los emo fusionan en si imágenes de tribus urbanas poco compatibles entre si: góticos, punks (tanto los "clásicos" como los neopunks), hardcoreros y metaleros. Quizás para quien ve a estos grupos desde la distancia le parezca que se trata de grupos muy similares, pero no es cierto (obsérvalos de nuevo, veras las diferencias si no los ves con miedo o desprecio). Esto hace que la imagen del emo sea una extraña quimera. De nuevo, la wikipedia esta de acuerdo conmigo:

El campo común al estereotipo del emo es el pelo teñido, oscuro (negro, rojo, o multicolor en este ultimo caso con preferencia para combinados de morado y rubio), en la mayoría de los casos cubriendo un ojo (o la cara entera) copiado de los neopunks; es un estilo de peinado con extensiones largas cepilladas sobre un ojo con el pelo corto en la parte posterior. Las perforaciones en el labio y en la ceja son las más vistas entre esta tribu urbana, aunque también se pueden ver en otros sitios. El maquillaje oscuro (la línea de ojos lo más notablemente posible negra, aunque el sombreador de ojos rojo y rosa está llegando a ser cada vez más popular) está presente tanto en chicos como en chicas. Las recientes y exitosas zapatillas "Classic Slip-On" de Vans cuadriculadas en rosa y negro y en blanco y negro.

Si pensaste en algún amigo (o vos mismo) seguro sos un emo, o al menos, una víctima de la moda(que actualmente se debate entre lo emo y el reaggeton). Según la Inciclopedia (una especie de wikipedia pero con un corte mas satírico, humorístico, burlesco y demás) hay ciertas características que comparte todo emo;

1. Unos tenis Converse o Vans (esto es importante. si no son de estas marcas, olvídate de conseguirte un "buen" novio emo) ya sean rosas o negros. Si encuentras rosas con negro, aún mejor.
2. Pantalones de tu hermana, es decir, pegados al área genital, de modo que la presión cambie tu volumen de voz a uno más agudo y, con el tiempo, haga que tus bolas desaparezcan (si es que aún las tienes).
3. Una camisa de manga larga con rayas negras y blancas, si tiene un motivo de Jack (no el destripador, la calavera homosexual que sale en la película llamada "el extraño mundo de Jack"), mejor. En el caso de no tener camisa, o en las estaciones calurosas, puedes seguir hurgando en el ropero de tu hermanita, seguro qe tiene una de las remeras de cuando tenia tres años.
4. Chamarra negra si a ti no te importa que afuera esté a 40 grados, ¿crees que al mundo le importarás? claro que no, recuerda que ser emo es sufrir mucho a pesar de que ese sufrimiento no sea necesario.
5. Gafas"pero veo bien", a los emos no les importa, las gafas (aunque no tengan graduación) son una especie de insignia que demuestra que ese emo ha llorado varias veces y que ha intentado suicidarse aún mas veces, y que merece ser respetado por ello.
6. Millones de pulseras de Panda o The Used, también pueden no tener motivo, mientras que oculten esas horribles cicatrices en tus muñecas que arruinan tu delicado y extremadamente blanco cutis.
7. El peinado podría ser lo más importante para reconocer a un emo, ya que éste demuestra que el dinero que no se gasta en pañuelos, navajas, cuerdas y demás utensilios para sus intentos de suicidio, lo gasta en gel. Para lograr el peinado emo debes de formar una especie de "V" con tu cabello y dejarlo caer enfrente de tu rostro, ya que debes ocultarlo para que el mundo no te vea a los ojos y no vea tus lágrimas saliendo.

Un aspecto importante de los emos es como son visto por las demás tribus urbanas. Esto es muy importante, ya que los emos son vistos como falsos, como apariencia. Casi sin excepción las demás tribus urbanas los aborrecen por considerar su aparente tristeza y depresion como incompatibles con su carácter fashion y/o materialista/consumista. Es decir, nadie mas que ellos mismos creen que los emos sean algo mas que imagen y moda. Son motivo tanto de burlas como de desprecio y odio. Incluso se ha llegado a extremos como la cacería de brujas (emos) en Queretaro, México (si vos también odias a los emos, y querés ver como los golpean, busca en youtube "emos golpeados" y veras gran cantidad de golpizas).

Los emos son una nueva tribu urbana emergente, que no nace en si en las ciudades, sino en los suburbios. Esto ayuda a que las demás tribus urbanas los vean como falsos (no son en inicio realmente tribus urbanas, sino suburbanas). A esto se suma la imagen ecléctica, al tomar su imagen de otros grupos (que le resta originalidad ante los demás). Además, y como se señala en la inciclopedia "Paradójicamente, estos individuos odian las modas, por lo que en lo contradictorio forman parte de sus formas. En resumen, están en el montón de los que no quieren ser del montón", que es otra característica que los hace motivo de burlas.

En resumen, los Emo son producto de la moda actual, tanto en la música como en la ropa y los demás artículos de consumo. Claro, como en su momento lo fueron los punks de los 70/80/90, los metaleros desde los 80, los grunge y demás tribus urbanas. Sin embargo, habrá que esperar (soportar) a ver si logran trascender mas allá de una moda (que por moda siempre es pasajera) y logran posicionarse junto a las demás tribus urbanas, esas que llevan años construyéndose y reinventandose para poder definirse como movimiento social propio.

(nota final: cuando revisé la ortografía de lo anteriormente escrito, obviamente me marco la palabra "emo" como falla ortográfica, la sugerencia para corregirla era "meo")

Rayuela

Quiero escribir algo sobre este libro de Julio Cortázar, Rayuela. Leí hace poco este libro, y es uno de esos libros que provoca abrazarlos cuando se terminan de leer. Deja dentro del lector (o al menos dentro de mi, tiendo a generalizar en estas situaciones) una sensación de novedad, como sis e estuviera ante una nueva forma de vida, ante otra identidad literaria completamente nueva. El libro no presenta las características básicas de una historia que me enseñaron cuando tenia 15 años, no plantea un inicio, no tiene un nudo dramático, y por consiguiente no tiene un desenlace. Esto hace que la historia sea mas una serie de secciones, unos mosaicos que no presentan una historia sino un ser humano, Horacio Oliveira,y su relación amorosa (y tormentosa) con La Maga, esa mujer que lo complementa de tal forma que lo convierte en parte de algo que esta mas allá de el mismo. Claro, esto crea conflictos mentales en una persona que defiende su individualidad como su única creencia.

Dejando de lado la argumentación de un libro sin argumento central, es un libro que explora las posibilidades de la creación literaria. Cortázar juega con la linealidad e la narración, creando en un libro "varios libros". No porque exista dentro de el varias historias paralelas (o perpendiculares) sino porque hay barias formas de leerlo, diferentes ordenes de capítulos que cuentan diferentes aspectos de la historia. Esta forma esconde una irreverencia, y al mismo tiempo una critica (por que toda irreverencia es también una critica), a la literatura anterior.

Rayuela constituye por si misma un novela inigualable, adornada con una erudición y un manejo del lenguaje que contienen el germen de esa irreverencia general. El lenguaje se utiliza de forma totalmente libre. Posee un minimalismo de la gramatical que permite la libertad a partir de juegos de palabras, de lugares escondidos, de frases inacabadas que asemejan un hablar divagante y al mismo tiempo impresionantemente inteligente.

Sin duda es este libro una de esas lecturas que se disfrutan, pero que también obligan. Obligan a leer mas allá de lo evidente, a detenerse y pensar en lo que recién se lee, a interiorizar un poco lo que el autor nos dice. Un Excelente libro, de uno de los mas grandes escritores latinoamericanos.

3...2...1... Iniciando

Aquí esta mi primera entrada en este nuevo blog. La creación de este blog obedece a las mismas razones que tienen todos para iniciar un blog: Buscar un espacio de expresión. ¿Y porque expresarse? difícil responder a esta introspectiva. Quizás sea solo un impulso por trascendencia o una necesidad de llamar la atención. O quizás una falsa creencia en que tengo algo bueno que decir. No importa, lo importante es que escribo, que me expreso, que realizo esa utópica fantasía de la libertad de expresión (porque en realidad pocos dicen realmente lo que desean).

El ojo que se ve mas arriba es una excusa par pasar a este párrafo y su tema. Observar es la fuente principal para opinar, y considerando que lo que planeo hacer con este blog es dar mi opinión sobre algunos temas, creo que es importante señalar que es mi observación la que guia las opiniones. Quizás parezca que dentro de esto existe escondida una objetividad primaria, una fenomenología en bruto, pero creo que eso no es imposible. Yo, como ser humano, estoy también condicionado por ciertos factores que condicionan mi punto de vista hacia una subjetividad. Relativismo, definamoslo así. Sueno como catedrático universitario o columnista. Es mi punto de vista lo que expongo, y ya. Nada mas y nada menos. Ejercer la quimera de la expresión en su carácter de representación máxima de la libertad. Y ya.